Bloque 1. El proceso creativo

¿Qué es la creatividad?

Según Joy Paul Gilford las personas creativas tienen:

- fluidez, capacidad para generar gran cantidad de ideas y relacionarlas entre sí y saber expresarlas
- sensibilidad, en el sentido de que son empáticos
- originalidad, para dar respuestas ingeniosas o novedosas, descubrimientos o asociaciones singulares.
- flexibilidad, se replantea enfoques, los cambia, reinterpreta ideas...
- elaboración, tiene un punto de constancia para llegar al producto final.
- redefinición, transforma, reestructura sus percepciones conceptos o cosas, encuentra nuevos usos...

El proceso creativo integra el pensamiento convergente (izq., los pensamientos lógicos) con el divergente (dcha).
En el pensamiento creativo se emplean los procesos de codificación, comparación, análisis y síntesis.


Mihály Csíkszentmihályi

Estudia aspectos como el optimismo y la motivación en las personas creativas.
Encuentran interesante y placentero el aprendizaje y la realización de actividades simbólicas complejas, tales como las ciencias, las matemáticas o la composición de música.


La expresión artística

Expresión: signos visuales o auditivos de emoción, síntomas de alegría, tristeza, rabia...
Desde la antigüedad clásica, la relación entre la expresión de emociones y la expresión en el arte ha sido objeto de atención entre los filósofos.
Tres funciones de la expresión:

- de síntoma: manifiesta el estado anímico, común en el hombre y los animales.
- de señal: despierta emociones a través de signos visuales, de palabra o con los sentidos.
- de símbolo: describe estados emotivos, es propia de los seres humanos. Esta función se ha alcanzado en el lenguaje y otros sistemas de comunicación propios del hombre, plástica, música...

Teorías sobre la expresión artística

I. La expresión artística en la Antigüedad Clásica

Predomina la función de SEÑAL, las emociones humanas pueden ser motivadas por agentes externos. A menudo se compara el efecto de los grandes discursos con los efectos provocados por la música. Aristóteles se refiere al efecto de catarsis provocado por el arte dramático...

II. En el Renacimiento

Predomina la función SIMBÓLICA, interesa la capacidad de las artes por reflejar o retratar las emociones (función dramática). Se incita al artista a representar en sus obras las emociones.
"El buen pintor tiene que saber representar dos cosas: al hombre y a su mente", la mente del espectador debería experimentar las sensaciones representadas.

III. En el Romanticismo

En la segunda mitad del s. XVIII, lo importante son las emociones del artista. Los críticos de arte desean conocer los sentimientos más íntimos del artista.
El artista no refleja las emociones estudiadas en otros si no que busca expresar las suyas propias.
Se entiende el arte como una comunicación de emociones, es decir, comunicación de sentimientos entre un hombre y otro.

Gombrich aúna las tres teorías y tiene en cuenta este proceso de comunicación.
Deben tenerse en cuenta la teoría de las emociones de James Lange, postula la unidad entre los estados físicos y mentales, la relación entre sentimientos y síntomas no es unilateral.
Aparecen los signos expresivos, que propician una respuesta emocional en el artista, relación inversa entre los sentimientos y la expresión.
Hay una interacción entre forma artística y sentimientos, entre el medio y el mensaje que se transmite.
Se centra en los efectos que el arte provoca sobre las emociones. El artista estudia la manera de manifestar los sentimientos emotivos.

Teoría centrípeta de la Expresión artística de Gombrich
El receptor tiene que tener unas expectativas previas sobre el mensaje artístico para que este genere unas emociones en él. Es el adecuado equilibrio entre lo esperado y lo inesperado lo que constituye la magia y atractivo de la expresión artística (Sir E. Gombrich).

Reflexión

Tratar de catalogar a las personas creativas es como crear estereotipos... son personas que no se ajustan a las normas, bohemios, que piensan diferente, que dan respuestas alternativas... son, en definitiva, y hasta que los adultos lo estropeemos, niños.
Un adulto creativo es un niño que ha sobrevivido, leí alguna vez.

La frase de entrada: “La creatividad se aprende igual que se aprende a leer”. Ken Robinson.
No estoy de acuerdo con esta frase, quizás sea una traducción literal y por eso la malinterpreto pero bajo mi punto de vista la creatividad no se aprende como el que aprende a leer. En el proceso de aprender a leer no intervienen el azar, la inspiración, la pasión, la intuición, el error creativo...
Sí pienso que se puede potenciar la creatividad, el pensamiento lateral o divergente, o por el contrario se puede anular la capacidad creativa, penalizando el error o siendo demasiado exigentes con la técnica en edades tempranas...

Ken Robinson menciona cuatro componentes primordiales de la creatividad:

- “Dar con el elemento”, con aquel territorio o disciplina donde contamos habilidad natural. Todos tenemos cosas que nos salen más fáciles y otras que se nos dan fatal.
- La pasión para conectar con ese elemento. Esto es desarrollar aquella actividad que nos sale con facilidad y que nos apasiona a la vez,  a tal punto de no sentir que pasa el tiempo.
- Capacidad de control.  Ken Robinson define  a la creatividad como el proceso de tener ideas originales que aporten valor. Para ser creativo hay que poder controlar en el tiempo los materiales y elementos que nos interesan.
- Todos podemos ser creativos en ambientes adecuados y que la posibilidad de ser creativos está al alcance de todos.

Una parte de ser creativo es armar hipótesis, tirar ideas, generar muchas soluciones alternativas, en suma llevar a cabo una etapa divergente y la segunda parte es ser críticos con nuestras ideas, aprender del error, ser capaces de desarrollar una etapa convergente.

Por otra parte, sigo sin saber lo que puedo considerar o no una manifestación artística, es decir: arte.
Nadie más que el propio autor sabe cuál es su intención cuando crea una obra, nadie más que él sabe lo que quiere decir, lo que siente durante el proceso de creación.
Por otra parte, el receptor de esa obra, el que la lee o interpreta, ni si quiera siendo la misma persona lo hará de igual manera en función del momento de su vida en el que se encuentre, de su conocimiento sobre arte en general y sobre la vida y obra del autor en particular, sobre su técnica y el contexto en que la obra fue concebida, etc.
Todos estos factores hacen que la percepción sea subjetiva a mi parecer, y por tanto, la interpretación y la catalogación de algo como arte o no, también.
Indudablemente, sea el que sea el tipo de arte del que se hable, te tiene que provocar unos sentimientos, ¿pero qué creación humana no lo hace?, ¿sean estos asco, atracción o simplemente indiferencia?, ¿provoca el mismo sentimiento en todas las personas? Si no es así, ¿quién es el encargado de decidir lo que es arte y lo que no, lo que está "bien" y lo que está "mal"?

En muchos casos es el profesor quien se autoasigna este "don divino", catalogando de mal el dibujo del niño que pinta el cielo amarillo, la tortilla azul o que simplemente se sale con sus trazos del contorno asignado para aplicar un color determinado.
Este rol, para nada nos corresponde, lo aplicamos en función de nuestra experiencia vivida en este terreno... "mueve el lápiz siempre en la misma dirección"– recuerdo haber sufrido esta frase cientos y cientos de veces, y hacer lo contrario cuando no me veían.